Ya comenzó la quinceava edición del Festival Internacional de Cine de la UNAM, Ficunam, y como cada año se hace una selección de películas de lo más importante del cine independiente Mexicano. Aquí te contamos de lo que pudimos ver en la sección Ahora México.

Deshilando Luz

Un ensayo fílmico que entrelaza la mirada de la realizadora con la de Elsa Atilano, artista textil. Sus viñetas reflejan la oración de los misterios del Rosario, una meditación que, al igual que la obra textil, se estructura en la repetición. A través de esta radiografía de reminiscencia, duelo y ausencia, entre otros temas, la realizadora se adentra en el archivo de su madre fallecida, a medida que deshila y elogia los trazos de su existencia.

La directora Valentina Pelayo hace un viaje por los formatos del cine, del análogo al digital, específicamente en los formatos más accesibles, del 8mm al video en cinta, al video en celular. En este viaje, Pelayo nos muestra imágenes que no son suyas, sino tomadas por su madre, la artista textil Elsa Atilano, imágenes en las que incluso podemos ver a la directora durante su infancia. Al hacer esto, la obra de Pelayo trae la pregunta ¿A quién pertenece la mirada? ¿Es esta la mirada de su madre la que observamos? ¿O una vez manipuladas las imágenes en el montaje la directora cambia su significado?

En el último tercio de la cinta, Pelayo usa material grabado por ella misma, en el que observa a su madre antes de fallecer, trabajando en su obra. Un acto similar al que ella hacia registrando su niñez. Para el final, las imágenes de Pelayo y su madre convergen, las imágenes son las mismas y a la vez no, dos miradas se vuelven una y a la vez siguen expresando algo diferente. ¿Qué dice una de cada una? ¿Qué dice una de la otra? ¿Qué dicen al estar junto a la otra? Lo que importa es que al final Pelayo ha hecho de Deshilando Luz una forma de lidiar con el duelo, una expresión tanto artística como religiosa.

Say Goodbye

Say Goodbye es una reflexión sobre el duelo, mostrando cómo una familia enfrenta la ausencia de un ser querido. A través de los paisajes de Utah, la película utiliza la geografía para transmitir la profundidad de la experiencia humana ante la pérdida.

Este documental retrata la vida de una familia de migrantes en EU, cada quien viviendo su propia rutina y cada uno a su propia manera lidiando con la perdida de su padre y esposo. Un tipo particular de perdida pues el hombre se encuentra desaparecido, ¿Cómo pasar el duelo de una persona que no sabes si está viva o no? Que solamente no está. A través de la historia de esta familia, la directora Paloma López Carrillo captura la experiencia de los migrantes latinos en EU en cuestiones sociales y políticas, sin embargo por encima de todo eso permea los efectos emocionales en estas personas que a veces deben aceptar que hay cosas, o personas, que ya solo se pueden sentir en la memoria.

Un Lugar Más Grande

Chiapas, sureste de México. Cuando los habitantes del pueblo de Tila y de varias aldeas expulsan al ayuntamiento y a la policía, se enfrentan al reto del autogobierno. “Un lugar más grande” se inspira en la tradición del cine directo para explorar la construcción de la autonomía en territorio maya ch’ol, una región históricamente marcada por la violencia paramilitar y las aspiraciones zapatistas.

En este documental, Nicolas Défossé se adentra en una comunidad auto-gobernada en el sur de México. El director observa con distancia bien medida y respetuosa a los habitantes de este pueblo que deben lidiar con los intentos de intervenciones políticas exteriores y con los problemas internos entre ellos. Sin realmente hacer insistencia en ello y dejando que las imágenes hablen por ellas mismas, Défossé nos muestra como este sistema dentro de sus limitaciones funciona muy bien, sin embargo como su tenacidad a no ser absorbidos por el exterior trae consigo consecuencias como la indiferencia de las autoridades ante la inseguridad que los acecha en sus al rededores. Un Lugar más grande acaba con la amargura de saber que el peligro está creciendo y a la vez que ni por eso su lucha termina.

Ajuste de Perdidas

Pedro, un ajustador de seguros que viaja por México investigando catástrofes, debe mediar entre «carroñeros» corruptos. Buscando un escape de su realidad cotidiana, acepta actuar en una obra de teatro. En el proceso, la obra va adquiriendo una dimensión emocional inesperada, mayor que la de su propia profesión, creando un paralelo entre su derrota personal y la tragedia humana, generando una crisis de identidad. Dos mundos contradictorios colisionan, dejándolo en una paradoja.

Pocos documentales han roto la barrera entre veracidad y ficción como este de Miguel Calderón, pues lo que se cuenta es real, quien lo cuenta es un actor. ¿Cómo puede el espectador confiar de la veracidad de lo que se cuenta? Las situaciones son reales, las anécdotas son reales, sin embargo al agregar el elemento de la actuación se puede decir que las intenciones de cada escena están siendo manipuladas ¿Cómo deberíamos sentirnos acerca de este personaje? ¿O persona? Lo que nos cuenta el protagonista de Ajuste de Cuentas es violento y sin la necesidad de verlo nos causa indignación, pero ¿A quién dirigimos esa indignación si no estamos viendo a una persona real? El impacto de este documental reside en buena parte en este truco, y si bien el documental no tiene más preguntas o respuestas que presentar, el sentimiento que deja permea en la mente por mucho tiempo.

Lázaro de Noche

Tres amigos cuarentones audicionan para un papel en una película. A medida que se someten al proceso de selección, rememoran su juventud y fantasean con una versión peculiar de la historia de Aladino. Su amistad se ve afectada por un triángulo amoroso incómodo que son incapaces de resolver.

El director Nicolás Pereda regresa con una serie de viñetas en la vida de un actor con una carrera sin rumbo que más tarde se va convirtiendo en un incómodo triangulo amoroso donde se pone a prueba la relación entre tres amigos y artistas. Así Lázaro de Noche va en constante cambio hasta que Pereda empieza a revelar un relato en el que se cuestiona como el sistema en el que vivimos impacta la forma en la que nos expresamos artísticamente y aún más que eso, una muestra de como el vivir dentro del capitalismo cambia nuestra manera de analizar el arte que vemos, escuchamos o leemos.

La Eterna Adolescente

La alarmante melancolía de Gema reúne a sus tres hijos en vísperas de una Navidad inusualmente fría en Guadalajara. Tras años de tratarse como desconocidos, el empolvado archivo familiar los hará revivir el recuerdo más doloroso de la familia. Durante este espontáneo y catártico fin de semana se restaurarán los lazos que la familia creía haber perdido.

Eduardo Esquivel presenta este drama familiar que no escapa de caer en clichés que se han visto en cine del mismo género en el extranjero. Sin embargo, Esquivel y su elenco logran añadir un identidad puramente mexicana a la familia que retratan que es inevitable sentirse afectado o conmovido por las situaciones que se presentan. Un gran ejemplo de que hay películas que no necesitan quebrar su forma para cautivar, sino ser completamente honestas a la hora de contarnos sus historias.